¡Hola a Tod@s!

Presentamos detalles de la exposición “La huella de una creencia”, por parte del artista Rubén Maya compuesta por más de 20 esculturas de cantera grabadas, exhibida en el Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad de Querétaro. Te invitamos a visitar la exposición es gratuita.

Los fundamentos y prácticas de toda cultura son las creencias, los mitos, los rituales y las narrativas. Los vestigios y las marcas son las pistas que nos brindan la posibilidad de articularlos y reconstruir la historia.

El arte rupestre es quizá la forma más antigua de la humanidad, los petroglifos específicamente, la incisión más duradera y aquella que brinda la posibilidad de contemplarse a sí mismo en otro tiempo, revelándose algunos principios y distintos tipos de necesidades, tanto expresivas como simbólicas.

Rubén Maya encuentra una particular resonancia e identificación con esta práctica, como un artista que desarrolla su discurso desde el pensamiento gráfico, a través del grabado, práctica artística que desde algunas de sus técnicas da continuidad a la realización de incisiones y marcas que perduran tanto en lo material como en lo subjetivo.

En el semidesierto de la región centro de México los pueblos originarios han conservado esos primeros trazos de muy distintas formas, en el estado de Querétaro, particularmente a la fecha se tienen ubicados 69 puntos de arte rupestre según el más reciente estudio de los investigadores del Instituto Nacional de Antropología e Historia.

Esta forma de arte nos presenta una de las formas de patrimonio que plantea su valor por su carácter prehistórico e histórico. Apenas algunas marcas, en piedras ubicadas en entornos naturales al aire libre, nos permiten tener una conexión con el imaginario más antiguo, pero que fue cambiando debido a una serie de factores naturales, culturales y sistémicos. Especialmente, con el establecimiento de la agricultura que incidió en el paso de las sociedades nómadas a sedentarias.

Esta instalación apunta a dar continuidad a una forma de creación gráfica ancestral, así como a la conformación de una narrativa desde múltiples ángulos: es decir, una memoria de trazos polifacéticos, partiendo de reflexiones en torno a la sombra psíquica, dimensiones ocultas del ser humano y el pensamiento mágico actual.

Temáticas que son propias del trabajo plástico del artista a lo largo de su producción. Maya nos propone activar la memoria ancestral desde su experiencia personal, es decir, a partir de la relación entre el contexto afectivo de su niñez con estas piedras grabadas en Huimilpan y su entorno senso-familiar, que empezó a accionar a partir de la realización de esculturas en cantera hace algunos años.

En esta ocasión, el artista nos presenta una instalación petrográfica, un espacio ceremonial, integrado por un conjunto de piedras grabadas con la iconografía que ha desarrollado a través de su trayectoria. Su objetivo es propiciar diálogos en distintos planos y realidades gráficas, la reactivación de un lenguaje, a través de un discurso cuyo propósito es generar una experiencia senso psíquica en los espectadores.

Una invitación que nos recuerda sutilmente que todo espacio destinado a un culto, fue primero una creación.

Valeria Caballero Aguilar
Curadora

¡Hola a Tod@s!

Presentamos detalles de la exposición “SOY PRIETA
CUERPO – TERRITORIO, MEMORIA”, por parte de la artista Alix Yolitzin compuesta por más de 40 piezas en diversos formatos y técnicas, exhibida la galería 2 y 3 de la fundación Carol Rolland de la ciudad de Querétaro. Te invitamos a visitar la exposición es gratuita.

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La imagen de la mujer latinoamericana es muchas veces visiblemente definida como el mismo territorio que habita: un paisaje en el que se plasman los lenguajes del colonialismo y la violencia; y otras veces, es una imagen profundamente determinada por la fuerza, la historia y la resistencia palpadas en su sangre y su memoria.

El cuerpo femenino no solo es concebido como un espacio físico y biológico, sino como un territorio que se reconfigura a través de la memoria y el contexto político y social en México y el resto de Latinoamérica, atravesado por el colonialismo, el capitalismo y el patriarcado, a menudo violentado a través de formas de racismo y discriminación.

El racismo en México es la violencia más normalizada e invisibilizada que impera, como una forma de negar la diferencia física, cultural, ideológica y geográfica, es una forma de oprimir, de avergonzar y avergonzarse de una forma de verse, de hablar, de vivir, de ser.

En este país la palabra “prieta” abarca mucho más que un adjetivo y una mera clasificación de colorimetría, se trata de un fenómeno que históricamente se ha vuelto insulto y está relacionado de manera directa con nuestro origen, con el indigenismo, la colonización, el mestizaje y el territorio.

“Soy prieta” es reapropiarme del insulto, resignificar una palabra, autonombrarme con dignidad y reafirmar mi derecho de existir. “Soy prieta” es de muchas maneras una reconciliación con mi prietud y todo lo que comprende: mi cuerpo, mi piel, mis rasgos, mi nombre, mis ancestras, mi lengua, mi cultura, el lugar en que nací. Es una reconciliación con mi herencia y mi memoria, es resistir, a(r) marme (re) construirme, (re) conocerme, permanecer y pertene-SER.
Alix Yolitzin, 2023.

¡Hola a Tod@s!

Presentamos detalles de la exposición “El paisaje podría salvarnos”, por parte de la artista Esmeralda Torres, compuesta por más de 50 piezas en diversos formatos realizadas con pigmentos naturales recolectados en entornos naturales , exhibida en el Museo de Arte Contemporáneo  de Querétaro. Te invitamos a visitar la exposición es gratuita.

Es evidente que el paisaje siempre ha existido. Revelar mi experiencia personal, traducir en pintura esos lugares, sensaciones, sentimientos, imágenes, colores y temperaturas es una de las intenciones de esta serie. Mirada y meditación son mi guía: me adentro en el misticismo del paisaje sin querer cambiarlo o entenderlo.

Observo al paisaje como una invención, sostengo la experiencia de estar presente para conservar ese instante y vaciarlo en mis propios horizontes. Represento e interpreto lo visto, describo ese espacio vegetal, animal y mineral; lo agrupo, le doy una estructura, lo desarmo y, a partir de ahí, comienzo a crear otros paisajes que entrelazan imaginación, realidad y materia. Paisajes inventados, mentales, narrativos, descriptivos, alucinantes, sentimentales, soñados y transfigurados.

Comparto la observación del paisaje como esperanza de salvación para recuperar la conexión con la esencia de las cosas que aparecen frente a mis ojos y así, volver a nombrar cada planta, semilla, árbol o piedra y mudarlas a mi espacio pictórico y a una bitácora en donde anoto aciertos y errores, vivencias del día a día que me conectan, no solo con el acto de registrar, sino como una extensión de la pintura ligada a la palabra, a la música y a la cotidianidad.

El paisaje me proporciona todo lo que necesito. Mi taller es un cuarto de ensayos donde conviven agallas de encino, flores silvestres, troncos de árboles, vainas, semillas, fibras, materia orgánica y pútridos que se convierten en formas y colores, alquimia de tintas que crean una variedad inimaginable de tonos, manchas que me invitan a fundirme en la abstracción o, mejor dicho, en palabras de Clara Janés: “…abstraerse hasta la transparencia que da paso a la comunión con lo otro, después de alcanzar su propio vacío y dejar que éste se llene de las resonancias del ser”

Pienso en las semillas, en las ramitas, en el olor de la tierra, en la luz de los maizales, en las milpas, en la sombra de un árbol. Elijo ese camino, atiendo a su llamado y tejo el acuerdo de cuidarnos mutuamente. Me permito a través de él, salvarme a mí misma y me convenzo, ahora más que nunca que El paisaje podría salvarnos.

Esmeralda Torres 

¡Hola a Tod@s!

Presentamos detalles de la exposición “Dislocación de la memoria”, compuesta por 24 piezas en diversos formatos, por parte del artista Osiel Guerrero en la Galería Libertad de la Ciudad de Querétaro. Te invitamos a visitar la exposición es gratuita.

Si pensamos en la dislocación de la memoria como una discontinuidad de lo recuerdos, nos encontramos estrechamente de cara al olvido. En ocasiones, asociamos el olvido con la distracción, con la alteración del orden, con no estar presentes, e incluso con la demencia. No obstante, la selección visual de Osiel Guerrero, plantea desde el plano metafórico, cavilar otras posibilidades de la relación memoria-olvido, como la de potenciar la capacidad activa sobre lo anímico, para dar lugar a la novedad.

Es esta, una propuesta pictórica-intelectual que se alimenta de elementos abstractos, de cuerpos y rostros incompletos, de objetos simbólicos, de la superposición de materiales como soportes de un lenguaje sensible que nos afecta y que hace de la mancha una metáfora del desvanecimiento, es decir, lo trazado tambien abre y reprime el acceso a la memoria. Es al mismo tiempo una memoria critica, en la que el artista y la persona espectadora pueden reconocerse, pues en ella tambien está la posibilidad de re-transformar la identidad.

“Somos nuestra memoria, somos ese quimérico museo de formas inconsistentes, ese montón de espejos rotos….”
Jorge Luis Borges